Este grupo pretende dar a conocer sensaciones y deseos del mundo Bdsm. Personas llenas de vida, de experiencias intensas que comparten el respeto y la manera de ver la vida de cada uno.
Inge Prader es una fotógrafa austríaca que recientemente ha
recreado obras maestras de Gustav Klimt como parte del proyecto Style Bible
2015, un evento que a través de Life Ball se celebra en Viena cada año para
recaudar fondos en la lucha contra el sida. Un equipo de más de 50
profesionales trabajó en dicho proyecto. Maquilladores, diseñadores de
vestuario, escenógrafos y especialistas en iluminación entre muchos otros,
trabajaron con modelos y ornamentos para dar vida a la fascinante obra cargada
de erotismo de Klimt.
Inge Prader fotografió algunas de las emblemáticas
obras de Klimt, como El Friso de Beethoven (1902), Danae (1907), y La Muerte y
la Vida (1908), creadas durante su período "golden phase", que fueron
representadas con un sorprendente efecto.
El propio Klimt fue un miembro prominente del movimiento de
la Secesión de Viena, que era un grupo de notables pintores, escultores y
arquitectos de su época. Ese colectivo se convertiría en inspiración para el
Life Ball "para resaltar las personalidades fuertes y creativas de aquella
época que revolucionó la sociedad con sus propuestas y perpetuó una nueva
alegría de vivir".
"Salir de las viejas formas y avanzar en la propia
individualidad y la autodeterminación", fue la idea fundamental de los
secesionistas vieneses.
Su última serie recrea algunas de las obras más icónicas del
artista austríaco utilizando modelos en vivo. Las imágenes de aspecto suntuosas
fueron tomadas para secessionista vienés con temática de este año el Life Ball , un evento anual que busca
recaudar fondos para ayudar a combatir el VIH / SIDA.
"Los valores del movimiento de vanguardia forman así
una metáfora maravillosa para el Life Ball, que ha luchado desde su inicio,
tanto para medidas activas hacia la salud y para una confrontación consciente
con y la superación de las barreras sociales, tabúes y estigmas."
Las fotografías de Prader se basan en las pinturas de la
Fase de oro de Klimt (1899-1910), que a menudo se incorpora pan de oro al
efecto imponente. Quizás la obra más conocida de este periodo es El beso (1907-1908). La bola se llevó el oro
color que su inspiración.
Como era de esperar, la obra de Klimt se presta
perfectamente para una sesión de fotos de moda de gama alta.
Y las fotos se ve increíble. Casi 100 años después de su
muerte en 1918, luminosas pinturas de Klimt continúan capturando la
imaginación, en particular, su deslumbrante
retrato de Adele Bloch-Bauer (1907), objeto de este verano exposición en
la Neue Galerie .
El lienzo de oro también tuvo recientemente una estrella a
su vez en la compañía Weinstein Mujer en
oro . La película, protagonizada por Helen Mirren y Ryan Reynolds, relata la
verdadera historia de sobreviviente del Holocausto Maria Altmann 's lucha para reclamar el
retrato y otras cuatro pinturas de Klimt que pertenecía a su tía décadas
después de que fueron robados por los nazis.
En cuanto a los mercados de Klimt , que es más sólido que
nunca, gracias en gran parte a la lona que inspira la película, que marcó el
comienzo de la artista en la élite del club $ 100 millones de dólares cuando se
vendió por $ 135 millones en el 2006, en el momento de una suma récord para una
obra de arte que se vende en cualquier lugar.
Inge Prader es una fotógrafa austríaca con mucho que
ofrecer. Arte y humildad, colaboradora en campañas benéficas que se celebran en
Viena todos los años y, en el caso que nos ocupa, ha realizado una serie
interpretativa con modelos reales basada en la Fase de Oro del artista
mencionado, una de las más emblemáticas
Life Ball es el nombre de la susodicha campaña, realizada
para recaudar fondos en la lucha contra el SIDA (VIH) y, para ella, es esta
serie de fotografías basadas entre los años 1899 y 1910 del autor austríaco
<b>en un intento de preservar la belleza, la decadencia y la oscuridad de
sus obras, pasando de la superficie plana a la tercera dimensión
Gustav Klimt (Baumgarten, 14 de julio de 1862-Alsergrund, 6
de febrero de 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más
conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa.
Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que
también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran
reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto
ideario romántico,
Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes
fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual,
reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto
modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se
convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo
relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del
momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial
del arte.
Juventud y formación
Klimt nació en una pequeña ciudad, Baumgarten, cerca de
Viena, el segundo de siete hijos (tres chicos y cuatro mujeres). Ya desde la
infancia, los tres hijos varones mostraron inclinaciones artísticas, que podían
haber heredado tanto de su padre, Ernst Klimt (1864-1892) que era grabador de
oro como de su madre, Anna Klimt (Finster, de soltera), cuya ambición frustrada
era dedicarse al canto.
Bosque de oro
Klimt vivió en una relativa pobreza la mayor parte de
su infancia, en tanto que como familia de inmigrantes, el trabajo escaseaba
tanto como las oportunidades de promoción social. Fue por tanto sólo gracias a
su talento que en 1876, con catorce años, recibió una beca para estudiar en la
Kunstgewerbeschule, la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde se formaría
hasta 1883 como pintor y decorador de interiores.
Sus maestros fueron Michael
Rieser, Ludwing Minnigerode y Karl Hrachowina. Klimt admiraba y reverenciaba al
entonces pintor de moda, Hans Makart, y se sometió gustoso a los dictados de
una educación artística clasicista. Es por ello que su obra temprana puede
considerarse académica. En 1877 su hermano Ernst —que con el tiempo se
convertiría en grabador, como su padre— también fue admitido en la escuela. Los
dos hermanos, con la compañía de su amigo común Franz Matsch, comenzaron a
trabajar juntos: Hacia 1880 ya gestionaban modestos encargos como un colectivo
que se hacía llamar la "Compañía de artistas", colaborando como asistentes
de su profesor en la decoración del Kunsthistorisches Museum de Viena. Klimt
comenzó su carrera individual como pintor de interiores en grandes edificios
públicos de la Ringstraße, desarrollando ya algunos temas alegóricos que
posteriormente se convertirían en un rasgo distintivo de su obra.
Las Sirenas
En 1888, Klimt recibió la Orden de Oro al Mérito de manos
del Emperador Francisco José I de Austria por su trabajo en los murales del
Burgtheater de Viena. Fue nombrado miembro honorario de las universidades de
Múnich y Viena, y para cuando en 1892 su padre y su hermano Ernst murieron,
Klimt estaba en condiciones de soportar la carga económica de sus parientes. La
tragedia familiar pesó también en su expresión artística, y marcó el inicio de
la definición de su estilo personal. A principios de la década de 1890, Klimt
conoció también a Emilie Flöge, quien aparentemente soportó las constantes
aventuras amorosas del artista y se convertiría en su compañera hasta el final
de su vida. El componente sexual de esta relación ha sido objeto de cierta
discusión, aunque está documentado que Klimt tuvo al menos catorce niños
durante esta relación.
Adan y Eva
Klimt se convirtió en uno de los miembros fundadores —y
presidente— de la Wiener Sezession, un grupo de artistas fundado en 1897, y del
colectivo temporal Ver Sacrum (la 'Sagrada Primavera'). La Sezession había
surgido como una alternativa independiente a los artistas promocionados por la
Academia vienesa —de la que el mismo Klimt había formado parte en su juventud—.
Entre sus objetivos se contaban la promoción de artistas jóvenes, la exhibición
de obras producidas en el extranjero y la publicación de una revista sobre las
principales obras realizadas por los miembros. A diferencia de la mayoría de
los grupos de vanguardia, el grupo nunca redactó un manifiesto, y tampoco se
definió por una determinada dirección estilística: entre sus miembros se
contaban naturalistas, realistas y simbolistas. El grupo encontró cierto apoyo
gubernamental —aunque sus obras eran generalmente detestadas— y pudo construir
una sala de exposiciones permanente sobre un solar cedido por las autoridades.
Los artistas de la Sezession tomaron a Palas Atenea, la diosa griega de la
sabiduría y la justicia como su símbolo. Klimt, que realizó una aproximación
bastante radical a la imagen de la diosa en 1898, estuvo adscrito a este
colectivo hasta 1908.
Nuda Veritas
En 1894, Klimt había recibido el encargo de crear tres
pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena.
Inacabadas hasta el fin de siglo, estas tres obras —Filosofía, Medicina y
Jurisprudencia— fueron muy criticadas por lo radical de su enfoque y su propia
representación, que algunos consideraron "pornográfica". Klimt
adaptaba la forma clásica de la alegoría y su simbolismo convencional, dándole
forma con su propio lenguaje plástico, abiertamente sexual y de matices
provocativos. El clamor fue general: protestaron políticos, pero también personalidades
relacionadas con el mundo del arte y la moral pública. La universidad decidió
finalmente no colocar las obras de Klimt, y éste no volvería a admitir encargos
a partir de entonces. Por desgracia las tres obras fueron destruidas por las SS
durante su retirada, en mayo de 1945. En 1899, Klimt se confirmó en su estilo:
Provocadora y llena de turbadora energía, su Nuda Veritas —la "Verdad
desnuda"— suponía un paso adelante en su estética personal, pero también
constituía una declaración de principios, casi un desafío, dirigido
principalmente a los críticos de su obra más conservadores: El crudo desnudo
frontal de una mujer, sosteniendo un alegórico "espejo de la verdad",
iba coronado con una conocida sentencia de Schiller:
En 1902, Klimt concluyó su trabajo en el Friso de Beethoven
a tiempo para la XIV exposición de los secesionistas vieneses, que se había
organizado a modo de homenaje al compositor, y en la que se presentaba una
monumental escultura policromada de Max Klinger. Destinado a ser expuesto
temporalmente, el friso fue pintado directamente sobre la pared con una técnica
ligera. Tras la exposición, sin embargo, el friso fue conservado, si bien no
volvió a ser expuesto en público hasta 1986. Al año siguiente Klimt viajó por
Italia, visitando Florencia, Venecia y Rávena, y descubriendo los mosaicos
bizantinos de las iglesias de San Vital y San Apolinar. Comenzaba entonces lo
que algunos críticos han interpretado como la etapa de madurez artística del
pintor: liberado de encargos públicos, Klimt había comenzado en 1890 a viajar
con la familia Flöge al lago Attersee, donde realizó numerosos paisajes. Estas
obras se convirtieron en una excepción en el corpus de Klimt, dedicado desde
siempre a la figura con enérgica devoción:
El friso de Beethoven
No existe ningún
autorretrato mío. No me interesa mi propia personalidad como objeto de un
cuadro, sino más bien me interesan otras personas, en especial mujeres, otras
apariencias…estoy convencido de que como persona no soy especialmente
interesante. Gustav Klimt
Klimt fue un pintor enérgico y arrebatado, y sus propios
parientes comentaban sorprendidos sobre su dedicación:
Cada noche venía a casa, tomaba la cena en silencio y se iba
a la cama… Cuando había descansado, retomaba con tal ímpetu el trabajo que a
menudo pensábamos que las llamas de su genialidad lo consumirían vivo…
Estilísticamente, los paisajes realizados en aquella
temporada se caracterizaban por el mismo refinado diseño ornamental y por un
enfático uso de motivos compositivos. El espacio pictórico aparece «aplanado»
de un modo tan rotundo que algunos críticos han señalado la posibilidad de que
Klimt los pintase sirviéndose de algún tipo de catalejo.
Las lágrimas de Freya
La "etapa dorada" y el éxito de crítica
La "etapa dorada" de Klimt vino determinada por un
progresivo acercamiento de la crítica y un gran éxito comercial. Muchas de sus
pinturas de este período incorporan pan de oro a la pintura, aunque éste era un
medio que Klimt ya había utilizado esporádicamente desde 1898 (Pallas Athene) y
su primera versión de Judith, de 1901. Tras regresar de su viaje italiano,
Klimt participó en la decoración del suntuoso palacio Stoclet, hogar de un
opulento magnate belga. Este edificio se convertiría en la síntesis del art
nouveau centroeuropeo. La aportación de Klimt —representada por El Cumplimiento
y La Expectación— significaron el clímax de su energía creativa, y tal como él
mismo afirmó, "posiblemente el último paso de mi desarrollo de la
ornamentación".
Las amigas) 1916-17.
Las obras más notables realizadas en esta etapa fueron sin
embargo el Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907) y El beso (1907-1908).
Paralelamente, Klimt realizó retratos de diversas damas de la alta sociedad
vienesa, normalmente envueltas en pieles. Es posible que muchos de los modelos
que Flöge luce en algunas fotografías tomadas por el autor fuesen diseñados por
el mismo artista.
Tal como se aprecia en muchas fotografías, Klimt solía vestir
túnica y sandalias cuando estaba en su casa. Llevaba una vida bastante
sencilla, completamente absorbido por su trabajo y su familia, y exceptuando
algunos encuentros con otros artistas de la Sezession, Klimt solía evitar los
encuentros de sociedad y los círculos intelectuales "de café". Pese a
su imagen de libertino, Klimt también llevaba su activa vida sexual
discretamente, y aunque se rodeaba de modelos femeninas de muy diversa
categoría social, nunca se vio personalmente envuelto en ningún escándalo
público. Atraídos por su gran fama, algunos clientes que acudían a su casa
solían descubrir que Klimt podía permitirse ser muy selectivo antes de aceptar
un encargo.
El beso, 1907–1908
Una vez admitido un encargo, el artista iniciaba su
particular método de trabajo, tras largas meditaciones y aún más prolongadas
sesiones de posado de modelos. La naturaleza abiertamente erótica de sus obras
solía verse "suavizada" por un enfoque alegórico, o simbólico, que la
hacía de algún modo más admisible para la pacata opinión pública de la
burguesía vienesa. Klimt nunca destacó por su carácter teórico. No escribió
apenas nada sobre su visión artística o sus métodos.13 Del mismo modo, nunca
llevó un diario, y su correspondencia se limita a algunas postales enviadas a
Flöge.
Three Ages of Women 1905
Vejez y fama póstuma
En 1911, gracias a La vida y la muerte, Klimt es galardonado
con el primer premio de la Exposición Universal de Roma. En 1915, murió su
madre, Anna. Tres años más tarde, tras haber pasado un infarto, neumonía y la
llamada gripe española, Klimt falleció.14 El artista, en su lecho de muerte,
preguntó por Emilie Flöge, doce años menor que él y con la que nunca quiso
contraer matrimonio. En su taller dejó inacabadas gran cantidad de obras. Un
número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al
avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín
de guerra, decidieron quemar el castillo donde éstas permanecían confiscadas.
Retrato de Adele Bloch-Bauer I, (1907) vendido en 2006 por un precio récord de 135 millones de dólares.
Las obras de Klimt han batido algunos récords en las
subastas de arte. En noviembre de 2003, un paisaje de Attersee fue vendido por
29 millones de dólares, una cifra que pronto quedó eclipsada por los precios finales
de otras de sus obras.
En 2006, el primer retrato de Adele Bloch-Bauer fue
vendido en la Neue Galerie de Nueva York por 135 millones de dólares, superando
así el récord establecido por el Chico con pipa (1905) de Picasso (vendido el 5
de mayo de 2004 por 104 millones de dólares).
El 7 de agosto de 2006, la casa
de pujas Christie's anunció la subasta de un nuevo lote de obras de Klimt,
obras que habían sido recuperadas por Maria Altman y sus herederos tras un
largo pleito que les enfrentó al gobierno austríaco. Finalmente, el Retrato de
Adele Bloch-Bauer II fue subastado en noviembre de 2006 —convirtiéndose en la
tercera obra de arte más cara de la historia—, el Manzano, I (aprox. 1912) fue
vendido por 33 millones, el Bosque de abedules (1903) por más de 40 millones de
dólares, y las Casas en Unterach, en el lago Atter (1916) por otros 31
millones. En total, las cinco piezas representan un valor total de 327 millones
de dólares.
Madre e hijo o La Maternidad
Estilo y temas recurrentes
La obra de Klimt se ha identificado con la suntuosa
decoración basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aunque
también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos
en que se inspiraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque
también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 aparecen elementos
abstractos de un carácter sexual inconfundible. Siendo la mujer uno de los
temas más recurrentes de Klimt, resulta lógico que el artista representase
muchas de las facetas del carácter femenino, aunque sentía especial
predilección por un tipo de mujer agresiva y dominante que podría identificarse
con el modelo icónico de la femme fatale.
Retrato de Adele Bloch-Bauer de Gustav Klimt, año 1907
Los historiadores del arte coinciden en señalar el carácter
ecléctico de su estilo pictórico; y se han apuntado, entre otras, referencias
al arte del antiguo Egipto, a la cultura Micénica, a la Grecia clásica y al
arte bizantino. Hombre de formación clásica, Klimt no sentía sin embargo reparo
en manifestar su entusiasmo por el arte de artistas medievales —como Durero— o
exóticos —como los artistas de la escuela Rinpa japonesa—. Sus obras de madurez
se caracterizan por un rechazo de sus inicios naturalistas, siendo así que se
ha señalado el progresivo desarrollo de motivos simbólicos o abstractos que
enfatizaban la libertad de espíritu que impregnó todas las vanguardias
artísticas de principios del siglo XX.
Del mismo modo, resulta significativo el valor de la línea
en su obra. Sus dramáticas composiciones —utilizando a veces extraños puntos de
vista, planos verticales y cortes atípicos— subrayan el carácter innovador de
su plástica, y anticipan el valor expresivo de la línea que caracterizará el
expresionismo posterior.
Legado
La obra de Klimt tuvo una enorme influencia sobre todo el
grupo de la Secesión Vienesa. En su papel de líder del grupo, Klimt no solo fue
una poderosa influencia para artistas como Egon Schiele, sino que trató de
apoyar la obra de estos jóvenes talentos con la institución del Kunsthalle, en
1917, con el que pretendía evitar el éxodo de artistas al extranjero. Su
relación con la aristocracia y la intelectualidad vienesas le permitió un
contacto estrecho con las personalidades más importantes del continente, como
Oskar Kokoschka y Alma Mahler, entre otros.
Palas Atenea
Su estética inconfundible, y cierto aroma decadentista con
que se suele identificar su obra, lo han convertido en un referente ineludible
de la moda y la estética contemporáneas. Las astronómicas cifras alcanzadas en
subastas de sus obras prueban, en cierto modo, que el éxito comercial de Klimt
no ha decaído, un siglo después de su muerte. También se han realizado
películas sobre su vida, incluyendo una protagonizada por John Malkovich, fue
estrenada el 28 de enero de 2006 durante el Festival Internacional de Cine de
Rotterdam (Holanda).
Gustav Klimt, Danae, 1907–08
Obras seleccionada
Adele_Bloch-bauer_II_1912
Pinturas de Klimt para el techo del Aula Magna de la
Universidad de Viena
Friso del Palacio Stoclet en mosaico, Bruselas, Bélgica
Fábula (1883)
Teatro en Taormina (1886-1888)
Auditorio del viejo Burgtheater de Viena (1888)23
Retrato del pianista y profesor de piano Joseph Pembauer
(1890)
Muchacha de Tanagra, antigüedad griega (1890-1891)
Retrato femenino. Algunos especialistas de arte han
identificado a la mujer retratada con la esposa del doctor Heymann. (1894)
La música I (1895)
Amor (1895)
Escultura (1896)
Tragedia (1897)
La música II (1898)
Palas Atenea (1898)
Agua en movimiento (1898)
Retrato de Sonja Knips (1898)
Sangre de pez (1898)
Schubert al piano (1899)
Die Tänzerin 1916-18
Después de la lluvia (Huerta con gallinas en Santa Agatha)
(1899)
Ondinas (Peces plateados) (1899)
Las Sirenas (1899)
Filosofía (1899-1907)24
Nuda Veritas (1899)
Retrato de Serena Lederer (1899)
Medicina (Hygieia), decoración del techo del Aula Magna de
la nueva Universidad de Viena (1900-1907)
Música (Litografía) (1901)
Judith I (1901)
Bosque de abedules (Birkenwald) (1901)
Peces dorados (dedicado a sus críticos) (1901-1902)
Retrato de Gertha Felsovanyi (1902)
Retrato de Emilie Flöge (1902)
Bosque de hayas (1902)
Bosque de hayas I (1902)
Friso de Beethoven (1902)25 26
Bosque de hayas (1903)
La esperanza I (1903)27
Peral (1903)
La vida es una lucha (El caballero dorado) (1903)
Jurisprudencia (1903-1907)28
Serpientes acuáticas I (1904-1907)
Serpientes acuáticas II (1904-1907)
Las tres edades de la mujer (1905)
Salomè 1909
Retrato de Margaret Stonborough-Wittgenstein (1905)
Jardín (1905–1906)
Jardín con girasoles (1905-1906)
Friso Stoclet (1905-1909)
Retrato de Fritsa Reidler (1906)
El girasol (1906-1907)
La esperanza II (1907-1908)
Dánae (La lluvia dorada)(1907)
Retrato de Adele Bloch-Bauer I (1907)
Prado con amapolas (1907)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter I (1908)
El beso (1907-1908)
Dama con sombrero y boa (1909)
Árbol de la vida (1909)
Judith II (Salomé) (1909)
El sombrero de plumas negro (1910)
Palacio Kammer a orillas del lago Atter III (1910)
El parque (1910)
Jardín con crucifijo (1911-1912)
Manzano I (1912)
Casa de guardabosques en Weibenbach, a orillas del lago
Atter (1912)
Retrato de Mäda Primavesi (1912)
Retrato de Adele Bloch-Bauer II (1912)
Goldfish, 1901
La virgen (Die Jungfrau) (1913)
Iglesia de Cassone (1913)
Mujer medio desnuda recostada (1913)
Mujer medio desnuda sentada, con los ojos cerrados (1913)
Retrato de Eugenia Primavesi (1913-1914)
Lovers, drawn from the right (1914)
Baronesa Elisabeth Bachofen-Echt (1914)
Mujer medio desnuda tumbada (1914-1915)
Retrato de Friederike Maria Beer (1916)
Casas en Unterach a orillas del lago (1916)
Muerte y vida (1916)
Sendero de jardín con gallinas (1916)
Las amigas (1916-1917)
Mujer sentada con los muslos separados (1916-1917)
Inge Prader es una fotógrafa austríaca que recientemente ha
recreado obras maestras de Gustav Klimt como parte del proyecto Style Bible
2015, un evento que a través de Life Ball se celebra en Viena cada año para
recaudar fondos en la lucha contra el sida. Un equipo de más de 50
profesionales trabajó en dicho proyecto. Maquilladores, diseñadores de
vestuario, escenógrafos y especialistas en iluminación entre muchos otros,
trabajaron con modelos y ornamentos para dar vida a la fascinante obra cargada
de erotismo de Klimt.
